Este aspecto de 'Spider

Nunca podrías contar esta historia en ningún otro formato.

Nota del editor: Lo siguiente contiene spoilers ligeros de Spider-Man: Across the Spider-Verse. ¿Necesita el mundo aún más películas de Spider-Man? Ha habido un gran total de 10 películas principales de Spider-Man desdesam raimi'sHombre araña, y acabamos de pasarSpider-Man: Sin camino a casa, que se anunciaba a sí mismo como una carta de amor a todo lo relacionado con Spider-Man, pero finalmente se convirtió más en una palmadita en la espalda de autocomplacencia por el éxito cinematográfico de Marvel y una gira de redención paraAndrew Garfield . Incluso antes de No Way Home,Spider-Man: En el Spider-Verse sirvió como la película No Way Home desearía haber sido (y lo hizo tres años antes): una conmovedora carta de amor maximalista a todo lo relacionado con Spider-Man, más allá de las películas y profundizando incluso en las referencias televisivas y cómicas más oscuras que puedas. imaginar. En ese momento, se consideró quizás la mejor película de Spider-Man jamás realizada, entre las mejores películas de superhéroes jamás realizadas, y un verdadero cambio de juego con respecto a cómo las películas de animación se permiten verse, sentirse y moverse.

Con todo eso en mente, imagina la sorpresa de recibirSpider-Man: A través del Spider-Verse , una secuela que está más que a la altura del legado de la primera película, y no solo brinda una crítica perspicaz sobre la forma en que las historias de origen de los superhéroes fetichizan el trauma como fuente de poder, no solo nos brinda escenas de acción más dinámicas y estimulantes que cualquier cosa del MCU. nos ha brindado en los últimos años, pero también tiene la audacia de lograr un suspenso que deja a la audiencia desesperadamente con ganas de más y teniendo que esperar un año entero para la conclusión. ¿Cómo se las arregló para sacar todo esto adelante? Si bien hizo muchas cosas de manera experta, lo que hace que estas dos películas sean tan especiales radica en su estilo de animación, y cómo ese estilo de animación muestra las cosmovisiones centrales de los personajes principales de manera tan perfecta que es una empatía radical en acción.

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Into the Spiderverse nos presentó a Miles Morales (Shameik Moore), un adolescente de Brooklyn que es mordido por una araña radiactiva y se convierte en Spider-Man, que normalmente sería toda la historia necesaria para una película de Spider-Man, excepto que Miles se cruza con otro Spider-Man, Peter B. Parker (jake johnson), quien lo asesora y lo involucra en una aventura aún mayor que involucra diferentes dimensiones y diferentes héroes con poderes de araña, incluida Spider-Woman Gwen Stacy (hailee steinfeld), Spiderman Noir (Nicholas Cage), y el cerdo parlante de dibujos animados Spider-Ham (Juan Mulaney).

A través del Spider-Verse ve a Miles envejecer, continuando luchando con el equilibrio entre la vida de superhéroe y la vida de una persona normal como lo hacen todos los Spider-People. Está tratando de mantener sus calificaciones altas para ingresar a la universidad, ocultando su identidad secreta a sus padres y luchando por seguir adelante sin Gwen. Por supuesto, las cosas solo empeoran cuando el Spot (jason schwartzman) aparece y empuja a Miles de regreso a otro viaje interdimensional que lo obligará a cruzarse con personajes como Spider-Man 2099 (Óscar isaac), otra mujer araña (Isa Rae), Spider-Punk (daniel kaluya), y el regreso de Peter B. Parker.

Con el concepto central de la franquicia de que Miles conoce a diferentes personas de diferentes dimensiones, los animadores optaron por utilizar el potencial de la animación en su máxima extensión al darle a cada personaje principal su propia estética hecha a medida específica para su universo y personaje. Comencemos con el propio Miles; es un adolescente birracial con un profundo amor por el hip-hop y el grafiti, y aunque es el amigable Spider-Man de Brooklyn, sigue siendo un adolescente un poco torpe. Entonces, cuando nos enfocamos en su parte de la vida, la banda sonora está dominada en gran medida por partituras influenciadas por el hip-hop o canciones clásicas de hip-hop. Con respecto a la animación en sí, ha sido establecido por el codirectorPedro Ramseyque el lenguaje visual no adopta el estilo de un cómic hasta después de que la araña lo muerde, ya que esto demuestra cómo la cosmovisión de Miles es la "estándar" en la que no sucede nada "súper".

Una vez que lo muerden, ahí es donde la experiencia realmente cobra vida. Cuando Miles piensa internamente, sus palabras aparecen en la pantalla en cuadros de texto mientras las pronuncia. Cuando golpea a los enemigos, vemos palabras onomatopéyicas gigantes que aparecen en lo alto como algo salido deladam oeste batman espectáculo, y cuando se acostumbra por primera vez a balancearse rápido, el fondo se vuelve borroso a su lado en un swoosh exagerado. La araña que lo mordió falla porque es de otro universo, y esa falla se transmite a Miles, quien periódicamente fallará en todo su cuerpo, como una señal de que no puede controlar sus nuevos poderes. La forma en que la película exterioriza constantemente la confusión interna y la emoción que Miles experimenta en todo momento es la forma más obvia en que comunica sus sentimientos, pero la forma más sutil y técnica es cómo la película anima a Miles a 12 fotogramas por segundo mientras que el resto Las personas araña están animadas a 24 cuadros por segundo, para mostrar cómo Miles está fuera de sintonía y todavía está aprendiendo a ponerse al día con los mejores. ¿Cuándo es que finalmente vemos a Miles moverse completamente a 24 fps? Esa escena de acto de fe, cuando finalmente descubre cómo ser su propio Spider-Man; movimiento cinético casado con el desarrollo del personaje.

Este compromiso con la externalización no afectaría tanto si solo se aplicara a Miles, pero el golpe de genialidad de la película es seguir esta regla caricaturesca hasta su conclusión lógica. Cada personaje con poderes de araña que se considera de importancia principal para la historia y la trama proviene de un mundo que refleja de manera uniforme su perspectiva única y sirve como una ventana a cómo estos personajes literalmente ven y sienten el mundo. Entonces, sabiendo que Gwen Stacy es una bailarina baterista de punk rock que tiene una compostura y elegancia que Miles no tiene, tiene mucho sentido que su mundo esté inundado de fondos de pintura de acuarela pastel brillante y energía de video musical de rock mientras muestra movimientos que adaptarse a alguien con antecedentes de ballet. O cómo Spider-Man Noir proviene de un mundo donde todo es el más binario de blanco y negro con paneles que provienen directamente defranco molinero'sCiudad del pecado, con partitura de jazz mareado y Nicolas CageHumphrey Bogart-Monólogo inspirado sobre su trágica historia de fondo (el hombre vivió la Gran Depresión literal, déjalo desahogarse).

Ya sea de Peni Parker (kimiko glenn) audaces expresiones de anime y colorido fondo dinamismo o el cuerpo flexible de dibujos animados Looney Tunes de la década de 1930 de Spider-Ham con efectos de sonido tontos a juego, obtienes una lectura instantánea de la personalidad y el temperamento de cada uno de los personajes con una eficiencia que elimina la necesidad de inflar el tiempo de ejecución con historias de fondo extendidas en cada uno de ellos.

Lo que es aún mejor es cómo se permite que las reglas visuales de los personajes se presenten en un contexto en el que nunca se descartan o se apagan para bromear o rogar que los vean como "castigados". A diferencia de muchos otros medios modernos de superhéroes, que tienen una necesidad equivocada de ser vistos como "realistas" para ser identificables, las películas de Spider-Verse se basan en cómo el arte pop son sus elecciones estéticas para comprometerse completamente con las premisas que crear. Cuando tenemos escenas en las que el movimiento hipersuave y brillante estilo anime de Peni Parker coexiste con Noir relajándose en el sofá con sombras malhumoradas que hacen que parezca que hay un foco sobre él a pesar de estar en una habitación bien iluminada, ni un solo personaje nunca rompe el carácter y señala lo extraño que es. La sinceridad que se muestra contribuye en gran medida a vender la naturaleza distorsionada de la realidad.

Con Across the Spiderverse, inmediatamente pone su lógica subjetiva al frente al mostrarnos más de la historia de fondo de Gwen Stacy y el mundo del que proviene. Si bien solo se insinuó y montó en la primera película, aquí podemos pasar tiempo con ella en sus propios términos y nos sumergimos completamente en cómo funciona su mundo. Es una versión impresionista en acuarela de Nueva York, donde todo cambia constantemente según el estado de ánimo actual, dominado principalmente por azules y rosas brillantes, como si estuviera viviendo en una relajante sinfonía primaveral. El esquema de color romperá las reglas convencionales de iluminación si las emociones cambian en una escena determinada; permanecerán suaves y ligeros cuando todo esté frío, pero si ella tiene un encuentro repentino o una discusión intensa, los colores cambiarán a un rojo intenso sin explicación lógica, aparte de la lógica emocional. Across the Spider-Verse usa la animación en toda su extensión, esto no es algo que pueda replicarse en la acción en vivo.

Si bien esto es impresionante por sí solo, en última instancia, Gwen vive en otra versión de Nueva York, por lo que la animación no puede hacer mucho para diferenciarlo de otros lugares. Es cuando la trama comienza a explorar nuevos mundos y culturas cuando ves cómo los creadores han ampliado su visión aún más. Cuando Miles y Gwen van al mundo de Mumbattan y conocen a Spider-Man India (karan soni), la paleta visual y el ambiente se vuelven dictados por la cultura india: la partitura se inflexiona con instrumentos y melodías tradicionales de la India, el sentido de la moda y la construcción de la ciudad se modifican para adaptarse más a las ciudades indias reales, y el estilo de animación de los personajes se vuelve mucho más esbozado, con contornos duros alrededor de los personajes que provienen de ese mundo (la película aún mantiene la regla de que los personajes no cambian de apariencia cuando cambian de mundo, afortunadamente).

Incluso a nivel de personaje individual, independientemente de los mundos cambiantes, el estilo se ha vuelto más audaz y francamente abstracto en puntos en los que los animadores llegarán para mostrar el aspecto único de cada personaje. El buitre (Jorma Taccone ) hace un cameo para una pelea, y está completamente cubierto con pergamino marrón y líneas de tinta manchadas como si fuera un plano de Da Vinci. De manera similar, Spider-Punk está hecho completamente de papel triturado que es una combinación salvaje de papel en blanco y negro y de color, y al mismo tiempo grita su actitud punk rebelde y es un homenaje a la inspiración estética de los Sex Pistols. Una vez más, vemos que esta serie renuncia a cualquier tipo de lógica anatómica racional en favor de bañar a los personajes en su verdad interior, sin importar cuán extraña pueda ser esa verdad, y es mucho mejor por eso.